Η ύπαρξη ενός διάσημου καλλιτέχνη στη διάρκεια της ζωής σας δεν αποτελεί εγγύηση ότι άλλοι καλλιτέχνες θα σας θυμούνται. Έχετε ακούσει για τον Γάλλο ζωγράφο Ernest Meissonier;

Ήταν σύγχρονος με τον Edouard Manet και μακράν τον πιο επιτυχημένο καλλιτέχνη σχετικά με την κριτική και τις πωλήσεις. Το αντίθετο ισχύει επίσης, με τον Vincent van Gogh. Ο Βαν Γκογκ βασιζόταν στον αδελφό του, τον Θεό, για να του δώσει βαφή και καμβά, αλλά σήμερα οι πίνακές του φέρονται σε τιμές ρεκόρ κάθε φορά που έρχονται σε πλειστηριασμό τέχνης και είναι ένα νοικοκυριό.

Εξετάζοντας τα διάσημα έργα ζωγραφικής, το παρελθόν και το παρόν μπορεί να σας διδάξει πολλά πράγματα, συμπεριλαμβανομένης της σύνθεσης και του χειρισμού του χρώματος. Αν και ίσως το πιο σημαντικό μάθημα είναι ότι τελικά πρέπει να ζωγραφίσετε για τον εαυτό σας, όχι για μια αγορά ή για επόμενο.

"Ρολόι νύχτας" - Ρέμπραντ

Η ζωγραφική "Night Watch" του Rembrandt βρίσκεται στο Rijksmuseum του Άμστερνταμ. Όπως δείχνει η φωτογραφία, είναι ένας τεράστιος πίνακας: 363x437cm (143x172 "). Ο Rembrandt το ολοκλήρωσε το 1642. Ο πραγματικός του τίτλος είναι" Η Εταιρεία του Frans Banning Cocq και Willem van Ruytenburch ", αλλά είναι γνωστότερο όπως το Night Watch. Μια εταιρεία που είναι μια φρουρά των πολιτοφυλακών).

Η σύνθεση της ζωγραφικής ήταν πολύ διαφορετική για την περίοδο. Αντί να παρουσιάσει τα στοιχεία με τακτοποιημένο, κανονικό τρόπο, όπου ο καθένας είχε την ίδια προβολή και χώρο στον καμβά, ο Rembrandt τις ζωγράφισε ως μια πολυάσχολη ομάδα σε δράση.

Περί το 1715 μια ασπίδα ζωγραφίστηκε πάνω στο "Watch Watch" που περιείχε τα ονόματα 18 ατόμων, αλλά μόνο κάποια από τα ονόματα είχαν ποτέ εντοπιστεί. (Να θυμάστε λοιπόν αν ζωγραφίζετε ένα πορτρέτο της ομάδας: σχεδιάστε ένα διάγραμμα στην πλάτη για να πάτε με τα ονόματα όλων, έτσι οι μελλοντικές γενιές θα το γνωρίζουν!) Τον Μάρτιο του 2009 ο Ολλανδός ιστορικός Bas Dudok van Heel ξεχώρισε τελικά το μυστήριο του ποιος είναι ποιος στη ζωγραφική. Η έρευνά του βρήκε ακόμη και αντικείμενα ενδυμάτων και αξεσουάρ που απεικονίζονται στο "Watch Night" που αναφέρεται σε απογραφές οικογενειακών κτημάτων, τα οποία στη συνέχεια ταξινομήθηκαν με την ηλικία των διαφόρων στρατιωτών το 1642, το έτος που τελείωσε η ζωγραφική.

Ο Dudok van Heel ανακάλυψε επίσης ότι στην αίθουσα όπου το "Night Watch" του Ρέμπραντ αναρτήθηκε για πρώτη φορά, υπήρχαν έξι ομαδικά πορτρέτα μιας πολιτοφυλακής που αρχικά εμφανίζονταν σε μια συνεχή σειρά και όχι έξι ξεχωριστές ζωγραφιές, όπως έχει σκεφτεί από καιρό. Αντίθετα, οι έξι ομαδικές πορτρέτα από τους Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart και Flinck σχημάτισαν μια αδιάσπαστη ζωφόρο, που ταιριάζουν μεταξύ τους και στερεώνονται στο ξύλινο πάτωμα του δωματίου. Ή αυτή ήταν η πρόθεση. Το "Night Watch" του Rembrandt δεν ταιριάζει με τους άλλους πίνακες σε σύνθεση ή χρώμα. Φαίνεται ότι ο Ρέμπραντ δεν τήρησε τους όρους της προμήθειας του. Αλλά τότε, αν είχε, δεν θα είχαμε ποτέ αυτό το εντυπωσιακά διαφορετικό πορτρέτο ομίλου του 17ου αιώνα.

"Hare" - Albrecht Dürer

Συχνά αναφέρεται ως κουνέλι Dürer, ο επίσημος τίτλος αυτής της ζωγραφικής αποκαλεί λαγός. Ο πίνακας βρίσκεται στη μόνιμη συλλογή της Συλλογής Batliner του Μουσείου Albertina στη Βιέννη της Αυστρίας.

Βαφήθηκε με ακουαρέλα και γκουάς, με τα λευκά χρώματα να γίνονται σε γκουάς (αντί να είναι το άβαφο λευκό του χαρτιού).

Είναι ένα εντυπωσιακό παράδειγμα του πώς μπορεί να ζωγραφιστεί η γούνα. Για να το μιμηθεί, η προσέγγιση που θα ακολουθήσετε εξαρτάται από πόση υπομονή έχετε. Αν έχετε πατάτες, θα ζωγραφίσετε χρησιμοποιώντας μια λεπτή βούρτσα, μια τρίχα κάθε φορά. Διαφορετικά, χρησιμοποιήστε μια τεχνική ξηρής βούρτσας ή κόψτε τις τρίχες σε μια βούρτσα. Η υπομονή και η αντοχή είναι απαραίτητες. Εργαστείτε πάρα πολύ γρήγορα σε υγρή βαφή και τα μεμονωμένα εγκεφαλικά επεισόδια κινδυνεύουν να αναμειχθούν Μην συνεχίζετε για αρκετό καιρό και η γούνα θα φαίνεται άσχημη.

Τοιχογραφία οροφής στην οροφή Sixtine - Michelangelo

Ο πίνακας του Μιχαήλ Άγγελος για το ανώτατο όριο του παρεκκλησίου της Συστίνας είναι μία από τις πιο γνωστές τοιχογραφίες στον κόσμο.

Το Παρεκκλήσι της Σιξτίνης είναι ένα μεγάλο παρεκκλήσι στο Αποστολικό Παλάτι, την επίσημη κατοικία του Πάπα (αρχηγού της Καθολικής Εκκλησίας) στην πόλη του Βατικανού. Έχει πολλές τοιχογραφίες ζωγραφισμένες σε αυτό, από μερικά από τα μεγαλύτερα ονόματα της Αναγέννησης, συμπεριλαμβανομένων των τοιχογραφιών τοίχων του Bernini και του Raphael, αλλά είναι πιο γνωστή για τις τοιχογραφίες στο ανώτατο όριο του Michelangelo.

Ο Μιχαήλ Άγγελος γεννήθηκε στις 6 Μαρτίου 1475 και πέθανε στις 18 Φεβρουαρίου 1564. Ανάθεση του Πάπα Ιούλιου Β ', ο Μιχαήλ Άγγελος εργάστηκε για το ανώτατο όριο του Παρεκκλησίου Σιτιστινών από τον Μάιο του 1508 έως τον Οκτώβριο του 1512 (καμία εργασία δεν έγινε μεταξύ Σεπτεμβρίου 1510 και Αυγούστου 1511). Το παρεκκλήσι εγκαινιάστηκε την 1η Νοεμβρίου 1512, στη γιορτή όλων των Αγίων.

Το παρεκκλήσι είναι μήκους 40, 23 μ., Πλάτους 13, 40 μ. Και η οροφή 20, 70 μ. Πάνω από το έδαφος στο υψηλότερο σημείο του ¹. Ο Μιχαήλ Άγγελος ζωγράφισε μια σειρά από βιβλικές σκηνές, προφήτες και προγόνους του Χριστού, καθώς και χαρακτηριστικά trompe l'oeil ή αρχιτεκτονικής. Η κύρια περιοχή του ανώτατου ορόφου απεικονίζει ιστορίες από ιστορίες του βιβλίου της Γένεσης, συμπεριλαμβανομένης της δημιουργίας της ανθρωπότητας, της πτώσης του ανθρώπου από τη χάρη, της πλημμύρας και του Νώε.

Οροφή του παρεκκλησίου της Παναγίας: Μια λεπτομέρεια

Το πάνελ που δείχνει τη δημιουργία του ανθρώπου είναι ίσως η πιο γνωστή σκηνή στη διάσημη τοιχογραφία του Μιχαήλ Άγγελο στο ανώτατο όριο του παρεκκλησίου της Σιστίνας.

Το Παρεκκλήσι της Σιξτίνης στο Βατικανό έχει πολλές τοιχογραφίες ζωγραφισμένες σε αυτό, ωστόσο είναι πιο διάσημο για τις τοιχογραφίες στην οροφή του Μιχαήλ Άγγελο. Εκτενής αποκατάσταση πραγματοποιήθηκε μεταξύ 1980 και 1994 από εμπειρογνώμονες της Βατικανό, αφαιρώντας την αιώνια αξία καπνού από κεριά και προηγούμενες εργασίες αποκατάστασης. Αυτό αποκάλυψε τα χρώματα πολύ φωτεινότερα από ό, τι είχε σκεφτεί προηγουμένως.

Οι χρωστικές ουσίες Michelangelo χρησιμοποίησαν ωχρό για κόκκινα και κίτρινα, πυριτικά σιδήρου για χόρτα, lapis lazuli για μπλε και κάρβουνο για μαύρο χρώμα. ¹ Δεν είναι όλα ζωγραφισμένα με τόσο μεγάλη λεπτομέρεια ότι εμφανίζεται για πρώτη φορά. Για παράδειγμα, τα στοιχεία στο προσκήνιο είναι ζωγραφισμένα με περισσότερες λεπτομέρειες από αυτά στο παρασκήνιο, προσθέτοντας την αίσθηση του βάθους στην οροφή.

Περισσότερα για το παρεκκλήσι της Σιξτίνης:

• Μουσεία του Βατικανού: Παρεκκλήσι της Σιστίνας

• Εικονική περιήγηση στο παρεκκλήσι της Σιξτίνης

Πηγές:

1 Μουσεία του Βατικανού: Το παρεκκλήσι της Σιξτίνης, δικτυακός τόπος του κράτους της Πόλης του Βατικανού, προσήλθε στις 9 Σεπτεμβρίου 2010.

Το σημειωματάριο Leonardo da Vinci

Ο αναγεννησιακός καλλιτέχνης Leonardo da Vinci είναι διάσημος όχι μόνο για τα έργα του αλλά και για τα σημειωματάρια του. Αυτή η φωτογραφία δείχνει μία στο Μουσείο V & A στο Λονδίνο.

Το Μουσείο V & A στο Λονδίνο διαθέτει πέντε από τα σημειωματάρια του Leonardo da Vinci στη συλλογή του. Αυτό το γνωστό ως Codex Forster III χρησιμοποιήθηκε από το Leonardo da Vinci μεταξύ 1490 και 1493 όταν εργαζόταν στο Μιλάνο για τον δούκα Ludovico Sforza.

Είναι ένα μικρό σημειωματάριο, το είδος του μεγέθους που θα μπορούσατε εύκολα να κρατήσετε σε μια τσέπη παλτών. Είναι γεμάτο με όλα τα είδη ιδεών, σημειώσεων και σκίτσων, όπως τα σκίτσα των ποδιών ενός αλόγου, τα σχέδια καπέλων και ρούχων που μπορεί να ήταν ιδέες για κοστούμια στις μπάλες και μια αναφορά στην ανατομία του ανθρώπινου κεφαλιού. ¹ Ενώ δεν μπορείτε να γυρίσετε τις σελίδες του σημειωματάριου στο μουσείο, μπορείτε να το κάνετε μέσω του διαδικτύου.

Η ανάγνωση του γραψίματός του δεν είναι εύκολη, ανάμεσα στο καλλιγραφικό στυλ και τη χρήση του καθρέφτη-γραφής (προς τα πίσω, από τα δεξιά προς τα αριστερά), αλλά μερικοί βρίσκουν συναρπαστικό να δούμε πώς βάζει όλα τα είδη σε ένα σημειωματάριο. Είναι ένας φορητός υπολογιστής εργασίας, όχι ένα εκθετήριο. Εάν ανησυχόσαστε ποτέ ότι το περιοδικό δημιουργικότητάς σας δεν έγινε με κάποιο τρόπο σωστά ή οργανωμένο, πάρτε το προβάδισμά σας από αυτόν τον κύριο: το κάνετε όπως χρειάζεστε.

_Πηγή:

_{1. Εξερευνήστε τους κώδικες Forster, V & A Museum. (Πρόσβαση στις 8 Αυγούστου 2010.)}

"Η Μόνα Λίζα" - Λεονάρντο ντα Βίντσι

Η ζωγραφική του Leonardo da Vinci "Mona Lisa", στο Λούβρο του Παρισιού, είναι αναμφισβήτητα η πιο διάσημη ζωγραφική στον κόσμο. Είναι πιθανότατα και το πιο γνωστό παράδειγμα του sfumato, μιας τεχνικής ζωγραφικής που είναι εν μέρει υπεύθυνη για το αινιγματικό του χαμόγελο.

Υπήρξαν πολλές εικασίες για το ποιος ήταν η γυναίκα στη ζωγραφική. Θεωρείται ότι είναι ένα πορτρέτο της Lisa Gherardini, σύζυγος ενός έμπορου ρούχων από την Φλωρεντία που ονομάζεται Francesco del Giocondo. (Ο συγγραφέας της τέχνης του 16ου αιώνα Vasari ήταν από τους πρώτους που το πρότεινε, στις "Ζωές των Καλλιτεχνών"). Έχει επίσης υποδειχθεί ότι ο λόγος για το χαμόγελό της ήταν ότι ήταν έγκυος.

Οι ιστορικοί τέχνης γνωρίζουν ότι ο Λεονάρντο είχε ξεκινήσει τη "Μόνια Λίζα" το 1503, καθώς το ρεκόρ της έγινε εκείνη την χρονιά από έναν ανώτερο υπάλληλο της Φλωρεντίας, τον Αγκόστινο Βεσπούτσι. Όταν τελείωσε, είναι λιγότερο σίγουρο. Το Λούβρο αρχικά χρονολογείται στη ζωγραφική του 1503-06, αλλά οι ανακαλύψεις που έγιναν το 2012 δείχνουν ότι μπορεί να ήταν μέχρι και μια δεκαετία αργότερα πριν τελειώσει με βάση το φόντο που βασίζεται σε ένα σχέδιο πετρωμάτων που είναι γνωστό ότι το έκανε το 1510 -15. ¹ Το Λούβρο άλλαξε τις ημερομηνίες στο 1503-19 το Μάρτιο του 2012.

Πηγή:

1. Η Mona Lisa θα μπορούσε να έχει ολοκληρωθεί μια δεκαετία αργότερα από ό, τι σκέφτηκε στην εφημερίδα The Art, από τον Martin Bailey, στις 7 Μαρτίου 2012 (πρόσβαση στις 10 Μαρτίου 2012)

Διάσημοι Ζωγράφοι: ο Μονέ στο Γκέβερνι

Φωτογραφίες αναφοράς για τη ζωγραφική: ο "Κήπος στο Giverny" του Monet.

Μέρος του λόγου που ο ιμπρεσιονιστής ζωγράφος Claude Monet είναι τόσο διάσημος είναι οι πίνακές του για τις αντανακλάσεις στις λίμνες που δημιούργησε στον μεγάλο κήπο του στο Giverny. Έχει εμπνεύσει εδώ και πολλά χρόνια, μέχρι το τέλος της ζωής του. Σχεδίασε ιδέες για έργα ζωγραφικής εμπνευσμένα από τις λίμνες και δημιούργησε μικρούς και μεγάλους πίνακες τόσο ως μεμονωμένα έργα όσο και ως σειρά.

Υπογραφή του Claude Monet

Αυτό το παράδειγμα του πώς ο Monet υπέγραψε τα έργα του είναι από έναν από τους πίνακες ζωγραφικής του. Μπορείτε να δείτε ότι το υπέγραψε με όνομα και επώνυμο (Claude Monet) και το έτος (1904). Είναι στην κάτω δεξιά γωνία, αρκετά μακριά, ώστε να μην κόβεται από το πλαίσιο.

Το πλήρες όνομα του Monet ήταν ο Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Αυτή η ζωγραφική του Μονέ έδωσε το όνομα στο ιμπρεσιονιστικό ύφος της τέχνης. Την παρουσίασε το 1874 στο Παρίσι σε αυτό που έγινε γνωστό ως η πρώτη εκκλησιαστική εκκλησία.

Στην ανασκόπηση της έκθεσης με τίτλο "Έκθεση ιμπρεσιονιστών", ο καλλιτέχνης Louis Leroy δήλωσε:

_Πηγή:

_{1. "L'Exposition des Impressionnistes" του Louis Leroy, Le Charivari, 25 Απριλίου 1874, Παρίσι. Μεταφράστηκε από τον John Rewald στην Ιστορία του Ιμπρεσιονισμού, Moma, 1946, ρ256-61. που αναφέρονται στο Salon to Biennial: Εκθέσεις που έκαναν την ιστορία της τέχνης από τον Bruce Altshuler, Phaidon, σελ. 42-43.}

Σειρά Haystacks - Μονέ

Ο Monet ζωγράφισε συχνά μια σειρά από το ίδιο θέμα για να συλλάβει τις μεταβαλλόμενες επιπτώσεις του φωτός, αλλάζοντας καμβά καθώς προχωρούσε η μέρα.

Ο Monet ζωγράφισε πολλά θέματα ξανά και ξανά, αλλά κάθε ένας από τους πίνακες της σειράς είναι διαφορετικός, είτε είναι ένας πίνακας ενός νούφαρου είτε ενός άχυρα. Καθώς οι πίνακες του Monet είναι διάσπαρτες σε συλλογές σε όλο τον κόσμο, συνήθως μόνο σε ειδικές εκθέσεις ο πίνακας της σειράς θεωρείται ως ομάδα. Ευτυχώς, το Ινστιτούτο Τέχνης στο Σικάγο έχει πολλές από τις ζωγραφιές άχυρων του Monet στη συλλογή του, καθώς κάνουν εντυπωσιακή την προβολή μαζί:

• Στοίβα σιταριού
• Ξεπαγώ, ηλιοβασίλεμα
• Ηλιοβασίλεμα, χιόνι αποτέλεσμα
• Εφέ χιονιού, Ημέρα συννεφιάς
• Τέλος του καλοκαιριού

Τον Οκτώβριο του 1890 ο Μόνε έγραψε μια επιστολή στον κριτή τέχνης Gustave Geffroy σχετικά με τη σειρά θημωνιών που ζωγράφιζε λέγοντας:

"Είμαι σκληρός σε αυτό, δουλεύοντας πεισματικά σε μια σειρά από διαφορετικά εφέ, αλλά αυτή τη στιγμή του χρόνου ο ήλιος δύει τόσο γρήγορα που είναι αδύνατο να συμβαδίσει με αυτό … όσο περισσότερο έχω, τόσο περισσότερο βλέπω ότι πρέπει να κάνουμε πολλή δουλειά για να καταστήσουμε αυτό που ψάχνω: 'instantaneity', το 'φάκελο' πάνω απ 'όλα, το ίδιο φως απλώνεται πάνω σε όλα … Είμαι όλο και περισσότερο εμμονή από την ανάγκη να καταστήσω αυτό που εγώ την εμπειρία και προσεύχομαι ότι θα με χάσουν άλλα πολλά καλά χρόνια γιατί νομίζω ότι μπορώ να σημειώσω κάποια πρόοδο προς αυτή την κατεύθυνση … " ¹

^Πηγή:

^{1. Monet από τον ίδιο, σελ. 172, επιμέλεια του Richard Kendall, MacDonald & Co., London, 1989.}

"Νούφαρα" - Claude Monet

Claude Monet, "Νούφαρα", γ. 19140-17, λάδι σε καμβά. Μέγεθος 65 3/8 x 56 ίντσες (166, 1 x 142, 2 cm). Στη συλλογή των Μουσείων Καλών Τεχνών του Σαν Φρανσίσκο.

Ο Monet είναι ίσως ο πιο διάσημος από τους ιμπρεσιονιστές, ειδικά για τους πίνακές του για τις αντανακλάσεις στη λιμνούλα στο κήπο του Giverny. Αυτή η συγκεκριμένη ζωγραφική δείχνει ένα μικροσκοπικό κομμάτι σύννεφο στην πάνω δεξιά γωνία και τα στίγματα μπλε του ουρανού όπως αντανακλάται στο νερό.

Αν μελετήσετε τις φωτογραφίες του κήπου του Monet, όπως αυτή της λιμνοθάλασσας του Monet και αυτού του λουλουδιού της κρίνος, και να τις συγκρίνετε με αυτή τη ζωγραφική, θα έχετε την αίσθηση του πώς ο Monet μείωσε τις λεπτομέρειες στην τέχνη του, συμπεριλαμβανομένης μόνο της ουσίας τη σκηνή ή την εντύπωση της αντανάκλασης, του νερού και του ανθισμένου λουλουδιού. Κάντε κλικ στο σύνδεσμο "Προβολή πλήρους μεγέθους" κάτω από την παραπάνω φωτογραφία για μια μεγαλύτερη έκδοση στην οποία είναι ευκολότερο να πάρετε μια αίσθηση για το πινέλο του Monet.

Ο γάλλος ποιητής Paul Claudel είπε:

"Χάρη στο νερό, έχει γίνει ο ζωγράφος αυτού που δεν μπορούμε να δούμε, αλλά απευθύνεται σε αυτή την αόρατη πνευματική επιφάνεια που χωρίζει το φως από την αντανάκλαση."

^Πηγή:

Page 262 Τέχνη του αιώνα μας, από τον Jean-Louis Ferrier και τον Yann Le Pichon

Η υπογραφή του Camille Pissarro

Ο ζωγράφος Camille Pissarro τείνει να είναι λιγότερο γνωστός από πολλούς από τους συγχρόνους του (όπως ο Monet), αλλά έχει ένα μοναδικό σημείο στο χρονοδιάγραμμα της τέχνης. Εργάστηκε ως ιμπρεσιονιστής και νεο-ιμπρεσιονιστής, αλλά και επηρέασε τους πλέον γνωστούς καλλιτέχνες όπως ο Cézanne, ο Van Gogh και ο Gauguin. Ήταν ο μοναδικός καλλιτέχνης που εκθέτει και τις οκτώ εκθέσεις ιμπρεσιονισμών στο Παρίσι από το 1874 έως το 1886.

Βαν Γκογκ Αυτοπροσωπογραφία (1886/1887)

Αυτό το πορτρέτο του Vincent van Gogh είναι στη συλλογή του Ινστιτούτου Τέχνης του Σικάγου. Ήταν ζωγραφισμένο χρησιμοποιώντας ένα στυλ παρόμοιο με τον Pointillism αλλά δεν κολλάει αυστηρά μόνο σε τελείες.

Στα δύο χρόνια που ζούσε στο Παρίσι, από το 1886 έως το 1888, ο Βαν Γκογκ ζωγράφισε 24 αυτοπροσωπογραφίες. Το Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγου το χαρακτήρισε ως "τεχνική dot" της Seurat, όχι ως επιστημονική μέθοδο, αλλά ως "έντονη συναισθηματική γλώσσα" στην οποία οι "κόκκινες και πράσινες κουκίδες είναι ενοχλητικές και σε πλήρη συμφωνία με την νευρική ένταση που εμφανίζεται στο van Gogh's βλέμμα."

Σε επιστολή λίγα χρόνια αργότερα στην αδελφή του, Wilhelmina, Van Gogh έγραψε:

"Έχω ζωγραφίσει δύο φωτογραφίες μου τον τελευταίο καιρό, ένα από τα οποία έχει μάλλον τον αληθινό χαρακτήρα, νομίζω ότι αν και στην Ολλανδία πιθανότατα θα σκοντάψει τις ιδέες για την πορτραίτα που βλάπτουν εδώ … Πάντα σκέφτομαι τις φωτογραφίες απεχθές και εγώ δεν τους αρέσει να τους έχουν γύρω τους, ιδιαίτερα δε εκείνοι των ανθρώπων που γνωρίζω και αγαπώ … τα φωτογραφικά πορτρέτα μαραίνονται πολύ νωρίτερα από εμάς, ενώ το ζωγραφισμένο πορτρέτο είναι κάτι που γίνεται αισθητό, γίνεται με αγάπη ή σεβασμό για ανθρώπινο ον που απεικονίζεται."

Πηγή:

Επιστολή προς τη Wilhelmina van Gogh, 19 Σεπτεμβρίου 1889

Η υπογραφή του Vincent van Gogh

Η τοποθέτηση χρώματος σε καμβά είναι σίγουρα μια νέα κατεύθυνση για τον Hirst και, όπου ο Hirst πηγαίνει, οι μαθητές τέχνης είναι πιθανό να ακολουθήσουν. Η ελαιογραφία μπορεί να γίνει και πάλι μοντέρνα.

Ο οδηγός του Λονδίνο Travel, η Laura Porter, πήγε στην προεπισκόπηση του Hirst για την τύχη του και πήρε μια απάντηση στη μία ερώτηση που ήθελα να μάθω: Τι μπλε χρωστικές χρησιμοποιούσε;

Η Λόρα είχε πει ότι ήταν "μπλε της Πρωσίας για όλους εκτός από έναν από τους 25 πίνακες, ο οποίος είναι μαύρος". Δεν είναι περίεργο ότι είναι ένα τόσο σκοτεινό, τρελό μπλε!

Ο κριτικός τέχνης Adrian Searle του The Guardian δεν ήταν ιδιαίτερα ευνοϊκός για τους πίνακες του Hirst:

"Το χειρότερο είναι ότι η ζωγραφική του Hirst φαίνεται απλά ερασιτεχνική και εφηβική, ενώ η βούρτσα του λείπει από το ότι το oomph και το panache σας κάνουν να πιστεύετε στα ψέματα του ζωγράφου. ²

_Πηγή:

_{1 Hirst «Παίρνει Κατσαρόμενα Ζώα», BBC News, 1 Οκτωβρίου 2009}

_{2. "Οι πίνακες του Damien Hirst είναι θανάσιμες, " Adrian Searle, Guardian, 14 Οκτωβρίου 2009.}

Διάσημοι καλλιτέχνες: Αντώνης Γκόρμλι

Ο Antony Gormley είναι ένας βρετανός καλλιτέχνης ίσως πιο διάσημος για το γλυπτό του Άγγελος του Βορρά, που αποκαλύφθηκε το 1998. Βρίσκεται στο Tyneside της βορειοανατολικής Αγγλίας, σε μια τοποθεσία που ήταν κάποτε μια σπηλιά, που σας καλωσόρισε με τα φτερά πλάτους 54 μέτρων.

Τον Ιούλιο του 2009, το έργο εγκατάστασης του Gormley στην τέταρτη πλώρα στην πλατεία Trafalgar Square στο Λονδίνο είδε έναν εθελοντή να στέκεται για μια ώρα στο βάθρο, 24 ώρες την ημέρα, για 100 ημέρες. Σε αντίθεση με τα άλλα πλίνθια στην πλατεία Τραφάλγκαρ, το τέταρτο πλίνθο ακριβώς έξω από την Εθνική Πινακοθήκη, δεν έχει μόνιμο άγαλμα πάνω του. Μερικοί από τους συμμετέχοντες ήταν οι ίδιοι οι καλλιτέχνες και σκιαγράφησαν την ασυνήθιστη άποψη τους (φωτογραφία).

Ο Antony Gormley γεννήθηκε το 1950 στο Λονδίνο. Σπούδασε σε διάφορα κολέγια του Ηνωμένου Βασιλείου και του Βουδισμού στην Ινδία και τη Σρι Λάνκα πριν ασχοληθεί με τη γλυπτική στο Slade School of Art στο Λονδίνο μεταξύ 1977 και 1979. Η πρώτη του ατομική έκθεση ήταν στην Γκαλερί Τέχνης Whitechapel το 1981. Το 1994 ο Gormley κέρδισε το βραβείο Turner με το "Field for the British Isles".

Η βιογραφία του στην ιστοσελίδα του λέει:

… Ο Antony Gormley αναζωογονεί την ανθρώπινη εικόνα στο γλυπτό μέσω ριζικής έρευνας του σώματος ως τόπου μνήμης και μετασχηματισμού, χρησιμοποιώντας το δικό του σώμα ως υποκείμενο, εργαλείο και υλικό. Από το 1990 έχει επεκτείνει την ανησυχία του για την ανθρώπινη κατάσταση για να διερευνήσει το συλλογικό σώμα και τη σχέση μεταξύ εαυτού και άλλων σε εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας …

Ο Gormley δεν δημιουργεί τον τύπο της μορφής που κάνει επειδή δεν μπορεί να κάνει αγάλματα παραδοσιακού στυλ. Αντίθετα παίρνει ευχαρίστηση από τη διαφορά και την ικανότητα που μας δίνουν να τα ερμηνεύσουμε. Σε μια συνέντευξη με την Times ¹, είπε:

"Τα παραδοσιακά αγάλματα δεν είναι για δυναμικό, αλλά για κάτι που έχει ήδη ολοκληρωθεί, έχουν ηθική εξουσία που είναι καταπιεστική και όχι συνεργατική, τα έργα μου αναγνωρίζουν το κενό τους".

^Πηγή:

^{Antony Gormley, ο άνθρωπος που έσπασε το Mold από τον John-Paul Flintoff, The Times, 2 Μαρτίου 2008.}

Διάσημοι Σύγχρονοι Βρετανοί Ζωγράφοι

Από αριστερά προς τα δεξιά, οι καλλιτέχνες Bob και Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake και Alison Watt.

Η ευκαιρία ήταν η προβολή της ζωγραφικής Diana και Actaeon από τον Titian (αόρατη, στα αριστερά) στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου, με σκοπό την άντληση κεφαλαίων για την αγορά του πίνακα ζωγραφικής.

Διάσημοι καλλιτέχνες: Lee Krasner και Jackson Pollock

Από αυτούς τους δύο ζωγράφους, ο Τζάκσον Πόλοκ είναι πιο διάσημος από τον Lee Krasner, αλλά χωρίς την υποστήριξή του και την προβολή του έργου τέχνης του, ίσως να μην έχει τη θέση στο χρονοδιάγραμμα της τέχνης που κάνει. Και οι δύο ζωγράφισαν σε ένα αφηρημένο στυλ εξπρεσιονισμού. Ο Κράσνερ αγωνιζόταν για την κριτική αναγνώριση από μόνη της, αντί να θεωρείται απλώς σύζυγος του Pollock. Ο Κράσνερ άφησε μια κληρονομιά για να ιδρύσει το Ίδρυμα Pollock-Krasner, το οποίο παρέχει επιχορηγήσεις σε εικαστικούς καλλιτέχνες.

Σκάλα σκάλας του Louis Aston Knight

Ο Louis Aston Knight (1873 - 1948) ήταν Αμερικανός καλλιτέχνης γεννημένος στο Παρίσι, γνωστός για τα τοπία του. Αρχικά εκπαιδεύτηκε κάτω από τον πατέρα του καλλιτέχνη, τον Daniel Ridgway Knight. Έκθεσε για πρώτη φορά το γαλλικό σαλόνι το 1894 και συνέχισε να το κάνει καθ 'όλη τη διάρκεια της ζωής του, κερδίζοντας επίσης αναγνώριση στην Αμερική. Η ζωγραφική του The Afterglow αγοράστηκε το 1922 από τον Πρόεδρο των ΗΠΑ Warren Harding για τον Λευκό Οίκο.

Αυτή η φωτογραφία από τα Αρχεία της Αμερικανικής Τέχνης δυστυχώς δεν μας δίνει θέση, αλλά πρέπει να σκεφτείτε ότι οποιοσδήποτε καλλιτέχνης που επιθυμεί να βυθιστεί στο νερό με την καβαλέτα του και τις μπογιές του ήταν είτε πολύ αφοσιωμένος στην παρατήρηση της φύσης ή αρκετά θεατρώνης.

1897: Γυναικεία Κατηγορία Τέχνης

Αυτή η φωτογραφία από το 1897 από τα Αρχεία της Αμερικανικής Τέχνης δείχνει μια τάξη γυναικείας τέχνης με τον καθηγητή William Merritt Chase. Σε εκείνη την εποχή, οι άνδρες και οι γυναίκες παρακολουθούσαν ξεχωριστά τα μαθήματα τέχνης, όπου, λόγω των καιρών, οι γυναίκες ήταν αρκετά τυχεροί για να μπορέσουν να αποκτήσουν μια τέχνη.

Art Summer School c.1900

Οι μαθητές τέχνης στις καλοκαιρινές τάξεις της Σχολής Καλών Τεχνών του St Paul, Mendota, Μινεσότα, φωτογραφήθηκαν το 1900 με τον καθηγητή Burt Harwood.

Η μόδα, τα μεγάλα sunhats είναι πολύ πρακτικά για τη ζωγραφική σε εξωτερικούς χώρους, καθώς κρατάει τον ήλιο έξω από τα μάτια σας και σταματάει το πρόσωπό σας να γίνεται ηλιακά (όπως και μια μακρυμάνικη κορυφή).

"Πλοίο του Νέλσον μέσα σε ένα μπουκάλι" - Yinka Shonibar

Μερικές φορές είναι μια κλίμακα έργου τέχνης που της δίνει εντυπωσιακό αντίκτυπο, πολύ περισσότερο από το θέμα. Το "Πλοίο του Nelson σε ένα μπουκάλι" από την Yinka Shonibar είναι ένα τέτοιο κομμάτι.

Το "Πλοίο του Νέλσον μέσα σε ένα μπουκάλι" από την Yinka Shonibar είναι ένα πλοίο ύψους 2, 35 μέτρων μέσα σε ένα ακόμη πιο ψηλό μπουκάλι. Είναι ένα αντίγραφο κλίμακας 1:29 της ναυαρχίδας του αντιναυάρχου Nelson, HMS Victory.

Το "Πλοίο του Νέλσον μέσα σε ένα μπουκάλι" εμφανίστηκε στην τέταρτη πτέρυγα στην πλατεία Τραφάλγκαρ στο Λονδίνο στις 24 Μαΐου 2010. Η τέταρτη πλώρα ήταν κενή από το 1841 έως το 1999, όταν ήταν η πρώτη από μια συνεχιζόμενη σειρά σύγχρονων έργων τέχνης, Ομάδα τετάρτης θέσης σε λειτουργία.

Το έργο τέχνης πριν από το "Πλοίο του Νέλσον μέσα σε ένα μπουκάλι" ήταν το One & Other από τον Αντώνιο Γκόρμλεϊ, στο οποίο ένας διαφορετικός άνθρωπος στέκεται στο βάθρο για μια ώρα, όλο το εικοσιτετράωρο, για 100 ημέρες.

Από το 2005 έως το 2007 θα μπορούσατε να δείτε ένα γλυπτό από τον Marc Quinn, το Alison Lapper Pregnant, και από τον Νοέμβριο του 2007 ήταν μοντέλο για ένα ξενοδοχείο 2007 του Thomas Schutte.

Τα σχέδια μπατίκ στα πανιά του "Πλοίου του Νέλσον μέσα σε ένα μπουκάλι" εκτυπώθηκαν από τον καλλιτέχνη σε καμβά, εμπνευσμένα από ύφασμα από την Αφρική και την ιστορία του. Το μπουκάλι είναι 5x2, 8 μέτρα, κατασκευασμένο από πορσελάνη χωρίς γυαλί, και το μπουκάλι ανοίγει αρκετά μεγάλο ώστε να αναρριχηθεί στο εσωτερικό για να κατασκευάσει το πλοίο.