Μια νεκρή φύση (από τα ολλανδικά, stilleven) είναι ένας πίνακας που περιλαμβάνει μια διάταξη άψυχων, καθημερινών αντικειμένων, είτε φυσικών αντικειμένων (λουλούδια, τρόφιμα, κρασί, νεκρά ψάρια και θηράματα κλπ.) Ή κατασκευασμένα αντικείμενα (βιβλία, μπουκάλια,, και τα λοιπά.). Το Γλωσσάριο του Μουσείου Τάτε το θέτει πολύ σύντομα, ορίζοντας το θέμα της νεκρή φύσης ως "οτιδήποτε δεν κινείται ή είναι νεκρό". Στα γαλλικά, η νεκρή φύση ονομάζεται θάνατος της φύσης (κυριολεκτικά «νεκρή φύση»).

Μια νεκρή φύση μπορεί να είναι ρεαλιστική ή αφηρημένη, ανάλογα με τον συγκεκριμένο χρόνο και τον πολιτισμό στον οποίο δημιουργήθηκε, καθώς και με το συγκεκριμένο στυλ του καλλιτέχνη. Η νεκρή φύση είναι ένα δημοφιλές είδος επειδή ο καλλιτέχνης έχει τον απόλυτο έλεγχο πάνω στο θέμα της ζωγραφικής, του φωτισμού και του πλαισίου. Ο καλλιτέχνης μπορεί να χρησιμοποιήσει τη νεκρή φύση συμβολικά ή αλληγορικά για να εκφράσει μια ιδέα ή να τυπικά μελετήσει τη σύνθεση και τα στοιχεία και τις αρχές της τέχνης.

Ιστορία

Αν και ζωγραφικοί πίνακες αντικειμένων υπάρχουν ήδη από την αρχαία Αίγυπτο και την Ελλάδα, η ζωγραφική στη νεκρή φύση ως μοναδική μορφή τέχνης προήλθε από τη μετα-αναγεννησιακή δυτική τέχνη. Στην αρχαία Αίγυπτο, οι άνθρωποι ζωγράφιζαν αντικείμενα και φαγητό στους τάφους και τους ναούς ως προσφορές στους θεούς και για τους νεκρούς να απολαμβάνουν στη μετά θάνατον ζωή. Οι πίνακες αυτοί ήταν επίπεδες, γραφικές παραστάσεις των υποκειμένων τους, χαρακτηριστικές της αιγυπτιακής ζωγραφικής. Οι αρχαίοι Έλληνες ενσωμάτωσαν επίσης θέματα νεκράς φύσης στα αγγεία τους, τις τοιχογραφίες και τα ψηφιδωτά. Αυτοί οι πίνακες, που χαρακτηρίζουν τα σημεία και τις σκιές, ήταν πιο ρεαλιστικοί από τους Αιγυπτίους, αν και δεν ήταν ακριβείς από άποψη προοπτικής.

Η ζωγραφική στη νεκρή φύση έγινε μια δική της μορφή τέχνης τον 16ο αιώνα. Ένας πίνακας ζωγραφικής από τον Βενετσιάνικο καλλιτέχνη Jacopo de 'Barbari (1440-1516) - που εκτίθεται τώρα στο Alte Pinakothek του Μονάχου - θεωρείται από πολλούς ιστορικούς ως η πρώτη αληθινή νεκρή φύση. Η ζωγραφική, που ολοκληρώθηκε το 1504, απεικονίζει ένα νεκρό πέρδικα και ένα ζευγάρι σιδερένια γάντια ή γάντια.

Σύμφωνα με το ντοκιμαντέρ του BBC "Μάρκες, Αχλάδια και Ζωγραφική: Πώς να φτιάξετε ένα Ζωγραφισμένο Νεκρή Ζωή", το "Καλάθι με Φρούτα" του Caravaggio, το οποίο ζωγράφισε το 1597, αναγνωρίζεται ως το πρώτο σημαντικό έργο του είδους της δυτικής ζωής.

Το ύψος της νεκρικής ζωγραφικής ήρθε στην Ολλανδία του 17ου αιώνα. Καλλιτέχνες όπως ο Jan Brueghel, ο Pieter Clausz και άλλοι ζωγράφιζαν περίτεχνα, εξαιρετικά λεπτομερείς και ρεαλιστικές εικόνες ανθοδέσμων και τραπέζια φορτωμένα με πλούσια μπολ φρούτων και θηραμάτων. Αυτοί οι πίνακες γιόρταζαν τις εποχές και αντανακλούσαν το επιστημονικό ενδιαφέρον της εποχής για τον φυσικό κόσμο. Επίσης χρησίμευαν ως σύμβολα κατάστασης και ήταν ιδιαίτερα περιζήτητοι. Πολλοί καλλιτέχνες πώλησαν τα έργα τους μέσω δημοπρασιών.

Συμβολισμός

Παραδοσιακά, πολλά αντικείμενα σε ζωγραφιές νεκράς φύσης επιλέχτηκαν για τις θρησκευτικές ή συμβολικές τους έννοιες, αν και αυτός ο συμβολισμός αποκλείεται μερικές φορές από τους σύγχρονους θεατές. Τα κομμένα λουλούδια ή ένα κομμάτι φθίνουσων φρούτων, για παράδειγμα, συμβόλιζαν τη θνησιμότητα. Τα κρανία, οι κλεψύδρες, τα ρολόγια και τα κεριά προειδοποίησαν τους θεατές ότι η ζωή είναι σύντομη. Αυτά τα ζωγραφισμένα με θάνατο έργα ζωγραφικής είναι γνωστά ως memento mori, μια λατινική φράση που σημαίνει "θυμηθείτε ότι πρέπει να πεθάνετε".

Οι ζωγραφισμοί του Memento mori είναι στενά συνδεδεμένοι με τις νεκρές φύσεις vanitas, που περιλαμβάνουν σύμβολα των γήινων απολαύσεων και των υλικών αγαθών - όπως τα μουσικά όργανα, το κρασί και τα βιβλία - που έχουν μικρή αξία σε σύγκριση με τη δόξα της μετά θάνατον ζωής. Ο όρος vanitas προέρχεται από μια δήλωση στην αρχή του βιβλίου του Εκκλησιαστού, που εκφράζει τη ματαιότητα της ανθρώπινης δραστηριότητας: "Η ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών! Όλα είναι ματαιοδοξία".

Αλλά δεν είναι όλοι οι πίνακες ζωγραφικής που έχουν συμβολισμό. Ο γάλλος μετα-ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης Paul Cezanne (1839-1906) είναι ίσως ο πιο διάσημος ζωγράφος των μήλων απλά για τη χρήση του χρώματος, του σχήματος και της προοπτικής. Η "Νεκρή Ζωή με Μήλα" (1895-98) της Cezanne δεν ζωγραφίζεται ρεαλιστικά, όπως φαίνεται από μια άποψη. Αντίθετα, φαίνεται ότι αντιπροσωπεύει μια συγχώνευση διαφορετικών απόψεων. Μέσα από την εξερεύνηση των τρόπων αντίληψης, το έργο της Cezanne χρησίμευσε ως πρόδρομος του κυβισμού και της αφαίρεσης.